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Já está disponível em todas as plataformas o primeiro registro audiovisual da carreira do Black Pantera. “Resistência! Ao Vivo no Circo Voador” documenta o show histórico realizado no dia 19 de novembro do ano passado, véspera do Dia da Consciência Negra, numa noite especial que celebrou os 11 anos de trajetória da banda no Circo Voador, no Rio de Janeiro.

Formado em Uberaba (MG) em 2014, o Black Pantera se consolidou como um dos nomes mais importantes do rock e do metal brasileiro contemporâneo. O trio, composto por Chaene da Gama (baixo e vocal), Charles Gama (guitarra e vocal) e Rodrigo “Pancho” Augusto (bateria), é conhecido pelo som potente que mistura punk, hardcore e heavy metal, aliado a letras de forte posicionamento antirracista e social que projetaram o grupo no cenário nacional e internacional.

O álbum reúne versões ao vivo de faixas marcantes como “Perpétuo”, “Candeia”, “Tradução”, “Padrão É O Caralho”, “Mosha”, entre outras, além dos dois singles já lançados: “Fogo nos Racistas” e “Cola”.

“A gente estava ansioso para liberar todo o material que vem sendo trabalhado há tanto tempo. É uma maneira de fechar essa primeira fase e pensar na próxima”, comenta Chaene da Gama. “Foi uma noite histórica de celebração, de conquista, de vitória. Uma luta que já dura 12 anos, mas que vem antes de nós, antes dos nossos pais. Poder falar sobre questões tão pertinentes com essa seriedade é sempre uma honra. A gente sente que o público está abraçando, e espera que esse disco ecoe e ressoe por muito tempo na vida das pessoas, da melhor maneira” completa.

Com o lançamento do álbum ao vivo, chegam também os clipes de “Intro/ Padrão é o Caralho”, “Candeia/ Estandarte” e “Mosha”. Os registros visuais das demais faixas serão lançados no YouTube oficial da banda, a partir de segunda-feira, até o dia 15 de junho. Além disso, o show completo será transmitido hoje, às 22h, pelo Canal Bis.

“Resistência! Ao Vivo no Circo Voador” já está disponível em todas as plataformas digitais pela Deck.

Com informações: Imprensa Deck

TRAPPED, palavra que dá título ao novo single da canadense Julie Neff, significa estar preso, encurralado, aprisionado. No caso da artista, esses estados refletem a sua experiência com a endometriose e a adenomiose, doenças crônicas – portanto, sem cura – com as quais convive há mais de 15 anos. “Essa música é sobre se sentir traída pelo próprio corpo, sobre estar presa em um mundo interno cheio de sonhos e aspirações, mas dentro de um corpo que não coopera”, conta a artista que, por conta dessas condições, enfrenta dor intensa, inflamação e uma série de outros problemas de saúde associados.

Esse processo, ao mesmo tempo físico e emocional, resultou não só na canção produzida por Cris Botarelli (Far From Alaska, Ego Kill Talent), mas no clipe que a acompanha, em que Julie transforma o próprio corpo no centro da narrativa. Ouça aqui e assista ao clipe aqui.

TRAPPED, que integra o álbum a ser lançado, fine., surgiu em um momento em que os sintomas atingiam um ponto crítico. Atividades simples podiam desencadear dias de recuperação. “Se eu me esforçasse um pouco, acabava doente na cama por uma semana. Eu estava desesperada para viver a vida que imaginava, para não decepcionar as pessoas por estar ausente e, no fim, para me sentir viva”, diz. Cinco anos após escrever a faixa, a artista está em um momento em que consegue retomar parte de seus projetos e estabelecer uma nova relação com o próprio corpo. Ainda convivendo com a dor, ela encontra períodos de maior estabilidade que permitem voltar ao movimento. “Ainda preciso planejar minha vida em torno dos meus níveis de energia, mas sou grata por esses momentos em que consigo fazer o trabalho que sinto que devo fazer”, afirma.

Assim nasceu o clipe com direção de Ariane Martineau e fotografia de Josh Kirschner. “Eu queria criar um vídeo que captasse essa luta — dos momentos mais escuros até a tentativa de alcançar a luz”, conta Julie. “Assim como em grande parte do trabalho que estou desenvolvendo no álbum, quis usar esse clipe para me ajudar a crescer em um nível pessoal. Contratei uma coreógrafa, Taylor Richardson, que me treinou para dançar e construiu uma coreografia baseada no significado da música. Isso me ajudou a me reconectar com o meu corpo de forma positiva e a expressar ainda melhor os sentimentos por trás da canção”, continua.

Arte

Julie Neff assina parte do styling e o conceito de figurino, desenvolvido com Nassi Aslanian. “Construímos os figurinos a partir dessa ideia de estar em uma fase escura e densa, e aos poucos atravessá-la em direção ao dourado. Eu mesma fiz o styling do look de macacão e criei o design do figurino dourado. Combinado com a maquiagem e o cabelo de Amal Afoussi, criamos essas duas imagens contrastantes”, conta a artista.

OUÇA AQUI

ASSISTA AO CLIPE AQUI

Música

Composição: Julie Neff
Produção: Cris Botarelli
Engenharia de som: Simon Petraki
Gravado em: Seratone Studios
Mixagem: Simon Petraki
Mix & consultoria criativa: Nevon Sinclair
Masterização: Sage Kim no Lacquer Mastering

Vocal: Julie Neff
Guitarra: Eric Mercer
Teclados, Baixo e Bateria Eletrônica: Cris Botarelli
Bateria acústica: Mike Hand

Financiamento parcial: Canada Council for the Arts

Clipe

Produção e Styling: Julie Neff

Direção e Edição: Ariane Martineau 

Direção de fotografia: Josh Kirschner

Coreografia: Taylor Richardson

Cabelo e maquiagem: Amal Afoussi

Design e criação do figurino dourado: Nassi Aslanian

Styling: Julie Neff

Assistente de câmera: Zach Manni-Mirolla

Catering: Jean Felipe Schwab

Fotografia de bastidores: Jaber Absaoui

Filmado em: Studios Giovanelli (Montréal)

Color Grading:

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SOBRE JULIE NEFF

Julie Neff já tem três EPs lançados: Catharsis (EP – 2018), Growing Pains (EP – 2019) e Over It (EP – 2021) e, estreia o primeiro álbum em 2026 que terá produção da brasileira Cris Botarelli (Far From Alaska, Ego Kill Talent e swave).

A música da artista canadense é conhecida por ser carregada de emoção, dando luz a questões internas, sobre como lidar com diferentes sentimentos, seja quando se sente sob a pressão de uma decepção amorosa ou de uma angústia, e também sob a pressão da esperança e da busca por propósito. E, através de sua voz, como um kintsugi líquido, Julie mostra o caminho a seguir.

Ela vem construindo sua trajetória na música de forma constante nos últimos anos, os lançamentos dos três EP’s e os diversos shows em diferentes países – além do Canadá, claro, já passou por Brasil, Canadá, Estados Unidos, México e Irlanda –, além da convivência com diferentes culturas, tudo isso culmina na artista que ela se tornou para, enfim, lançar o álbum completo, fine., em 2026. Ao longo das faixas, a artista faz referências a vários gêneros, transitando entre o rock, o country e o blues, permitindo que cada faixa encontre a emoção onde ela estiver.

Com informações: ASSESSORIA DE IMPRENSA CAFÉ 8

Para celebrar o Dia Nacional do Reggae, o Sesc 24 de Maio apresenta, entre os dias 14 e 17 de maio, o projeto Reggae Delas. A iniciativa destaca a força feminina no gênero por meio de shows de três expoentes de diferentes gerações e estilos: as maranhenses Célia Sampaio e Núbia, e a cantora Reemah, vinda das Ilhas Virgens Americanas.

Conhecida como a “Dama do Reggae”, Célia Sampaio abre a programação na quinta-feira (14/5). Célia iniciou sua trajetória em 1984, no primeiro bloco afro do Maranhão, o Afro Akomabu. Com uma carreira sólida, lançou os discos Diferente (2000), Oyá (2009), Crioula (2019), Célia Sampaio (2022) e o EP recente, Eparrey (2025).

Na sexta-feira (15/5), o palco recebe a sonoridade contemporânea de Núbia, que transita entre as vertentes do Reggae Roots e Dub, misturando-as ao Rap e ao Neo Soul. Também maranhense, a artista já recebeu duas indicações ao Prêmio BTG Pactual da Música Brasileira 2025, nas categorias “Reggae” e “Lançamento de Reggae”.

Encerrando a programação, Reemah desembarca das Ilhas Virgens Americanas para o teatro do Sesc 24 de Maio com dois shows gratuitos, nos dias 16 e 17/5. A cantora e compositora é uma das vozes potentes do reggae contemporâneo; sua música combina Roots Reggae, Dancehall e influências caribenhas, abordando temas como identidade, espiritualidade, resistência e amor.

Serviço – Reggae Delas
Célia Sampaio
Data: 14/05/2026, quinta-feira, às 20h
Classificação: 12 anos
Ingressos: sescsp.org.br/24demaio ou através do aplicativo Credencial Sesc SP a partir do dia 05/05 e nas bilheterias das unidades Sesc SP a partir de 06/05 – R$50 (inteira), R$25 (meia) e R$15 (Credencial Sesc).

Núbia
Data: 15/05/2026, sexta-feira, às 20h
Classificação: 12 anos
Ingressos: sescsp.org.br/24demaio ou através do aplicativo Credencial Sesc SP a partir do dia 05/05 e nas bilheterias das unidades Sesc SP a partir de 06/05 – R$50 (inteira), R$25 (meia) e R$15 (Credencial Sesc).

Reemah
Data: 16 e 17/05/2026, sábado às 20h e domingo às 18h
Classificação: 12 anos

Grátis: ingressos com distribuição on-line no dia 15/05, a partir das 14h no site sescsp.org.br/24demaio ou através do aplicativo Credencial Sesc SP.

Local: Teatro do Sesc 24 de Maio, Rua 24 de Maio, 109, São Paulo – 350 metros da estação República do metrô

Serviço de Van: Transporte gratuito até as estações de metrô República e Anhangabaú. Saídas da portaria a cada 30 minutos, de terça a sábado, das 20h às 23h, e aos domingos e feriados, das 18h às 21h.

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Sesc 24 de Maio

Rua 24 de Maio, 109, Centro, São Paulo

350 metros do metrô República

Fone: (11) 3350-6300

Com informações: ASSESSORIA DE IMPRENSA SESC 24 DE MAIO

No dia 12 de junho, o cantor Daniel sobe ao palco do Tokio Marine Hall para apresentar o espetáculo “Um Novo Tempo” em uma edição especial de Dia dos Namorados. Em formato acústico e com novas roupagens para grandes sucessos de sua carreira, o show propõe uma noite marcada pelo romantismo, pela emoção e pela celebração do amor, reunindo clássicos que atravessam gerações em uma atmosfera intimista e envolvente.

E quando se pergunta ao cantor Daniel qual é o novo tempo, o que se espera do futuro, a resposta vem junto com um sorriso: “A pegada é essa que estou agora, de estar feliz, por inteiro, ser grato a tudo que me aconteceu, a tudo que trilhei. Quero continuar fazendo parte da vida das pessoas de uma forma positiva e celebrar tudo que eu tenho recebido”, declara o cantor.

Após o sucesso do projeto que celebrou quatro décadas de história, e contou com grandes nomes da música brasileira, fãs, ídolos, amigos, dentro e fora dos palcos, em um grande compilado de canções, interpretados no início da carreira ao lado de João Paulo, mais uma vez Daniel se reinventa e apresenta o show Um Novo Tempo, em formato acústico, com nova roupagem para os clássicos. Marcado pela emoção e fazendo referência direta ao tempo –  passado, presente e futuro – Um Novo Tempo será um convite para viver um momento único e simboliza que tudo está em constante transformação.

E a seleção do repertório é aquela dúvida boa: em um meio tão vasto, como definir o setlist do show? O desafio foi representar as muitas fases, ouvir o que Daniel desejava, atender aos pedidos dos fãs em shows, dar voz aos ouvintes das plataformas e chegar assim a “montagem do quebra-cabeças”, como bem definiu Anderson Toledo, que assina a direção musical. A receita parece infalível: proximidade com o público sem perder de vista o som quente, marca registrada de Daniel. Bruno Câmara assina os arranjos ao lado de Toledo, além da parceria com Booking Music, que gerencia datas de shows e agenda do cantor. Entre os sucessos estarão Do Outro Lado Do Rádio, Vai Dar Samba, Quem Diria Hein?, Um Homem Apaixonado, e claro, sem deixar de lado grandes clássicos como Estou Apaixonado, Adoro Amar Você, Eu Me Amarrei, entre muitos outros hits.

Com a formação clássica da banda que o acompanha foi adicionado também percussão. “Talvez alguma história ainda possa surgir, mas essa será a formação que me acompanhará”, celebra o cantor. O cenário é uma criação da TSMusic, e figurinos, são das estilistas Camila Motoryn e Gabriela Motoryn Grinman.

FICHA TÉCNICA:

Direção artística: Tiago TS / Daniel / Booking Music
Direção Musical: Anderson Toledo
Arranjos: Bruno Câmara e Anderson Toledo
Figurinos: Camila Motoryn e Gabriela Motoryn Grinman
Banda: Alexandre Bueno (Violão, Viola e Guitarra Semi Acústica), Cláudio Rocha (baixo), Anderson Karan (bateria), Franco Alencar (violão), Anderson Toledo (teclado), Nego Júlio (acordeon), Monalisa Nunes e Fabiana Oliveira (backing vocal), Alê Di Viera (percussão).

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Serviço Tokio Marine Hall:  Daniel “Um Novo Tempo”

Data: 12 de junho (sexta-feira)

Horário: 21h30

Horário de abertura: 2 horas antes do espetáculo

Local: Tokio Marine Hall

Endereço: Rua Bragança Paulista, 1281 – Chácara Santo Antônio – São Paulo/SP

Informações e vendas:          

Ingressos: R$219,00 a R$539,00

Vendas:  https://www.ticketmaster.com.br

Informações e compra de ingressos:        

# BILHETERIAS  – Rua Bragança Paulista, 1281 / Chácara Santo Antônio

(Horário de atendimento: segunda a domingo, das 12h às 18h)

* Em dias de espetáculo a bilheteria terá seu horário estendido em 30 minutos

após o início do show, ou o quanto for necessário.

(Formas de Pagamento: cartões de crédito Visa, Mastercard, Credicard, Diners);

# COMPRA PELA INTERNET        

www.tokiomarinehall.com.br

Estacionamento:  Hot Valet (com manobrista)

Aceitamos dinheiro e cartões de débito e crédito (Visa, Mastercard, Credicard e Diners) Não aceitamos cheque.

Com informações: ASSESSORIA DE IMPRENSA | TOKIO MARINE HALL

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Muita viola, história e talento. No dia 10 de maio, o cantor, compositor, instrumentista, produtor musical e ator Gabriel Sater lança seu mais novo álbum: “25 ANOS DE MÚSICA”. O disco marca um momento emblemático na trajetória do artista, que celebra duas décadas e meia dedicadas à música, destacando não apenas sua evolução artística, mas também novas influências, encontros e histórias que construíram seu caminho ao longo dos anos. Neste novo trabalho o público poderá desfrutar de oito faixas autorais e dois clássicos de outros compositores. Das dez faixas, duas são instrumentais. Nesta sexta-feira (08/05), já aquecendo os ouvidos e alma para este novo disco, será lançado o clipe da faixa “Me Ajuda”, com participação de Ivan Lins.

“Sinto esse trabalho como uma homenagem aos meus 25 anos de dedicação à música, uma forma de agradecer tudo que vivi, todos os profissionais que trabalhei, parceiros que muito me ensinaram e também o início de um novo ciclo repleto de novidades e sonhos a serem realizados nos próximos 25 anos. Rumo aos 50 anos de música!”, diz Gabriel.

Além de releituras e referências de sua trajetória, as faixas inéditas já apontam para uma nova fase em sua carreira, revelando novos caminhos e sonoridades. Mais do que uma retrospectiva, o projeto se apresenta como um registro de gratidão e, ao mesmo tempo, como o início de um novo ciclo.

“Sou apaixonado por aprender, estudar e evoluir todos os dias. A cada álbum me sinto mais maduro para cantar, tocar, compor, arranjar e produzir. O processo de gravação de cada álbum é único, desafiador e muito enriquecedor. Ao lado de João Gaspar, escolhemos um repertório com composições inéditas que apresentam novas cores, influências e estilos musicais que trabalhamos nos últimos anos, além de convidarmos novos artistas para participações especiais. Também selecionamos algumas composições lançadas há mais de uma década, que fizeram muito sentido serem revisitadas, arranjadas e produzidas neste momento.”, destaca o músico.

A escolha do repertório está alinhada com o perfil do novo projeto: composições com estilos e ritmos que mostram a versatilidade musical desenvolvida por Gabriel ao longo destes anos. “25 ANOS DE MÚSICA” chega como um prelúdio hipnotizante e autêntico, já dando um gostinho aos fãs do artista sobre o que esperar deste novo ciclo musical.

Além da turnê “Pai e Filho”, que segue rodando o Brasil, em breve o artista também dará início a turnê do novo disco.

FAIXA A FAIXA:

BRISA DE OUTONO – Part. Especial: Eric Silver

(Gabriel Sater/João Gaspar/Luiz Carlos Sá)

É uma união do Rock Rural com o Folk e universo da viola de 10 cordas com a participação de Eric Silver no dobro, violino e teclados.

NAS MONTANHAS DE MINAS

(Gabriel Sater)

Composição feita em terras mineiras, após uma viagem inesquecível por Minas Gerais. Com harmonia sofisticada ao violão, a faixa traz influências da música contemporânea do Pantanal, Clube da Esquina e do Rock.

ME AJUDA – Part. Especial: Ivan Lins

(Gabriel Sater/João Gaspar/Luiz Carlos Sá)

A composição destaca a riqueza da rítmica brasileira pulsante com uma letra marcante de Luiz Carlos Sá. A luxuosa participação especial do ícone Ivan Lins torna essa gravação uma das mais especiais do álbum.

MARRUÁ

(Gabriel Sater)

Tema instrumental virtuosístico na viola de 10 cordas (viola caipira) apresentada no remake da novela “Pantanal” traz toda energia dos personagens “Xeréu Trindade/Cramulhão”. Uma homenagem aos personagens e à novela.

ORAÇÃO DE SÃO FRANCISCO – Part. Especial: Orquestra Sinfônica da UFMT

(Gabriel Sater)

Melodia inédita composta por Gabriel após meses de dedicação, ganha uma nova versão ao lado da Orquestra Sinfônica da UFMT. Uma versão sensível, com solo marcante no violão e que traz um frescor para a emblemática letra.

DE PAPO PRO AR – Part. Especial: Jackson Antunes

(Joubert de Carvalho e Olegário Mariano)

A gravação deste novo arranjo de um clássico da música caipira/sertaneja raiz marca o registro da primeira gravação musical entre dois artistas e atores brasileiros que contracenaram no filme “Coração de Cowboy” e no remake de “Pantanal”.

LA CUMPARSITA – Part. Especial: Negão dos Santos

(Gerardo Matos Rodríguez)

Uma nova versão instrumental de um dos tangos mais emblemáticos da história em um formato para dois violões. A faixa é enriquecida com a participação especial do renomado violonista e líder do histórico grupo “Paranga” Negão dos Santos, filho do lendário compositor de São Luiz do Paraitinga, Elpídio dos Santos. Arranjo feito por Gabriel Sater, João Gaspar e Negão dos Santos.

ALÉM DAS FRONTEIRAS (Ao Vivo)

(Gabriel Sater/Daniel Rondon)

Composição de Gabriel Sater e do poeta da nova geração pantaneira Daniel Rondon. O tema apresenta a “MPB de Fronteira” com toda latinidade e rítmica do Pantanal.

MEU LUGAR – Part. Especial: Ian Sater

(Gabriel Sater/Leandro Aguiari/Cesar Granja Leite)

A nova versão conta com a participação especial do talentoso guitarrista Ian Sater (irmão de Gabriel e filho de Almir Sater), apresentando novas cores para o arranjo da música, que é uma das músicas mais ouvidas do repertório de Gabriel.

PEDRA ESMERALDA

(Gabriel Sater/Luiz Carlos Sá/Zé Edu Camargo)

Uma composição pulsante e romântica de Gabriel Sater criada com dois poetas renomados: Luiz Carlos Sá e Zé Edu Camargo. Gabriel Sater apresenta um arranjo de 02 violas de 10 cordas dialogando entre si.

SOBRE GABRIEL SATER

Cantor, compositor, instrumentista, produtor musical e ator, Gabriel Sater herdou não só o sobrenome, mas o talento musical e carisma do pai. O premiado artista, com 25 anos de carreira, lançou 06 CDS, 01 DVD e ganhou 12 prêmios musicais, incluindo o Prêmio da Música Brasileira na categoria de Melhor Intérprete Canção Popular em 2024. Foi indicado ao Grammy Latino em 2023 e em 2024 com seus álbuns “ERVA DOCE” e “FARÓIS DO SERTÃO”. Na dramaturgia, ganhou o prêmio “Scruffy City Film & Music” em 2018 pela sua atuação como protagonista no filme “Coração de Cowboy”. Atuou no remake da novela “Pantanal” em 2022 como violeiro ” Xeréu Trindade”, papel que foi de seu pai na versão original da novela, enquanto Almir interpretava o chalaneiro Eugênio. Os dois artistas, pai e filho, tiveram cenas juntos na novela, incluindo um famoso duelo de violas. Ainda, em 2025, participaram juntos no projeto do remake de “Renascer”, também da Rede Globo, em que interpretavam o mesmo personagem – o libanês “Rashid” – em momentos diferentes, Gabriel na primeira fase e Almir na segunda fase.

Com informações: LUPA Comunicação

Gravado em sua totalidade no estúdio MCJ, do produtor Mario Caldato Jr., nos Estados Unidos, “The Other Side” carrega uma dimensão simbólica importante: a de um álbum brasileiro concebido em território internacional

“Talvez esse seja o disco que melhor explique o que é o Seu Jorge” (Seu Jorge)

“Em termos de música, de cuidado, de tempo dedicado… eu tenho certeza de que é o melhor trabalho que já fiz.” (Seu Jorge)

Ouça em todas as plataformas digitais

Após uma jornada criativa que atravessa mais de uma década e meia, o cantor, compositor e multi-instrumentista Seu Jorge apresenta ao mundo “The Other Side”, o projeto mais ambicioso de sua carreira internacional. Com lançamento mundial marcado para esta sexta-feira (8 de maio), o álbum reúne 11 faixas e traduz um novo capítulo em sua trajetória artística, revelando um território sonoro marcado por arranjos orquestrais, atmosferas cinematográficas e uma abordagem mais contemplativa da música brasileira. No Brasil, o primeiro single de trabalho será “Quando Chego”, faixa inédita em parceria com Marisa Monte, enquanto nos Estados Unidos e Europa o lançamento é impulsionado por “Girl You Move Me”, originalmente gravada pela banda canadense Cane And Able.

Idealizado a partir de 2009, o disco nasce de um desejo íntimo de experimentação. “Eu estava buscando uma sonoridade diferente, mais calma, um som brasileiro que convidasse as pessoas a refletirem sobre as letras e melodias”, afirma Seu Jorge. Conhecido por sua trajetória que transita entre o samba, o funk e a MPB, Seu Jorge mergulha aqui em um universo que dialoga com o jazz, a bossa nova e a música sinfônica, expandindo os limites de sua própria linguagem.

Mais do que uma mudança estética, “The Other Side” representa também um exercício de tempo e maturidade. “Esse disco representa, acima de tudo, paciência… uma paciência muito grande de não ceder ao impulso de lançar antes da hora, de esperar até ele realmente estar pronto”, reflete. Gravado em etapas entre 2009 e 2018, o projeto foi desenvolvido com calma e profundidade, permitindo que cada escolha artística amadurecesse ao longo dos anos.

A origem do álbum remonta a um momento de sensibilidade captado pelo produtor Mario Caldato Jr., parceiro de longa data de Seu Jorge e responsável pela produção de seu álbum de estreia, “Samba Esporte Fino” (2001). A colaboração entre os dois atravessa décadas e é parte fundamental da construção estética do artista.

“Não é sempre que você encontra uma voz e um talento tão vibrantes e poderosos quanto os do Seu Jorge. Foi isso que senti em 1999, quando o conheci em Los Angeles”, relembra Caldato. “Desde então, nossa amizade e admiração só cresceram, permitindo que criássemos música juntos com total liberdade.” “Este álbum nasceu quando gravei Jorge tocando uma versão simples de ‘Girl You Move Me’, em voz e violão. A performance era tão sensível e dinâmica que me emocionou profundamente”, completa. A partir desse registro, surgiu a ideia de expandir aquela atmosfera íntima para um universo orquestral, com arranjos assinados por Miguel Atwood-Ferguson, parceiro fundamental desde o início do projeto.

“Eu compartilhei algumas ideias com Miguel, e ele entendeu perfeitamente, criando arranjos que elevaram a música a uma dimensão mais sofisticada e luxuosa”, completa Caldato. Esse movimento deu origem à estética central do álbum: uma experiência sonora imersiva, onde cada faixa se constrói como uma narrativa sensorial.

“Desde a primeira gravação, ficou claro que esse disco tinha um caráter cinematográfico”, explica Seu Jorge. “A ideia de que essas músicas poderiam existir dentro de um filme ajudou a definir todo o caminho do álbum.” O resultado é uma obra que dialoga com referências clássicas da música brasileira e internacional, evocando nomes como Milton Nascimento, os irmãos Borges e Arthur Verocai, além da sofisticação de arranjadores ligados à tradição da bossa nova. Com sua voz grave e aveludada, Seu Jorge conduz o ouvinte por um repertório que revisita joias da MPB, inspirado também pelo catálogo do selo alemão ECM Records e pelos arranjos de Claus Ogerman, maestro que trabalhou com Tom Jobim e João Gilberto.

Gravado integralmente no estúdio MCJ, de Mario Caldato Jr., em Los Angeles – base da Amor in Sound, gravadora e espaço criativo comandado por Mário e Samantha Caldato -, “The Other Side” também carrega uma dimensão simbólica importante: a de um álbum brasileiro concebido em território internacional. Ao mesmo tempo, o projeto ocupa um lugar especial na trajetória do estúdio, consolidando-se como uma de suas obras mais centrais em termos artísticos e conceituais. “Era muito marcante para nós fazer um disco de música brasileira nos Estados Unidos. Não como uma forma de descaracterizar, mas de ampliar essa conversa com o mundo”, afirma o artista. “A cultura é uma ferramenta poderosa, e entender como a música brasileira pode dialogar com outras estruturas foi parte fundamental desse processo.”

O projeto reúne ainda colaborações especiais que ampliam essa proposta estética. Entre elas, está o dueto com Maria Rita em “Vento de Maio”, eternizada nas vozes de Lô Borges e Elis Regina, canção que carrega uma forte conexão com a tradição da música mineira. Já o encontro com o artista estadunidense vencedor do Grammy® Beck acontece em uma releitura de “River Man”, do britânico Nick Drake, reforçando o caráter internacional do trabalho. O álbum conta ainda com a participação especial do coletivo belga Zap Mama, fundado pela artista nascida na República Democrática do Congo, em “Far From The Sea”, ampliando a diversidade de influências e texturas sonoras do trabalho.

Um dos momentos mais marcantes do “The Other Side”, no entanto, é “Quando Chego”, uma composição em parceria com Marisa Monte e Arnaldo Antunes. A canção, que surge de um encontro espontâneo entre Marisa e Jorge, sintetiza a essência do projeto. “Marisa e Arnaldo representam sofisticação, precisão, cuidado. Eles são grandes referências para mim, não só artisticamente, mas na forma de pensar e construir uma carreira”, destaca Seu Jorge.

A presença de Marisa Monte no álbum não é apenas simbólica, mas estrutural. “Em muitos momentos, eu pensava: ‘se fosse a Marisa, o que ela faria aqui?’”, revela. “Isso me ajudou a simplificar ideias, a buscar mais essência.”

Além das participações, o disco se constrói a partir de um processo coletivo intenso, envolvendo músicos que fazem parte da carreira do artista há anos, como Pretinho da Serrinha, Adriano Trindade, Rodrigo Tavares, Cidão Santos, Fernando Vidal, Claudio Andrade e outros colaboradores como o guitarrista francês Michael Valeanu, que contribuíram para a riqueza sonora do projeto. Ao longo do álbum, Seu Jorge também assina execuções instrumentais em diferentes faixas, tocando violão e percussão, além de saxofone na faixa “Beleza Bárbara”, reforçando seu papel como multi-instrumentista na construção da obra. “Esse é um álbum feito por muitas mãos, com muita troca, muita escuta e muita liberdade criativa”, resume.

Para Mario Caldato Jr., o resultado é singular: “Quando chegou o momento da mixagem, tudo fluiu de forma muito natural. O álbum se revelou e se completou de maneira magnífica. Para mim, é um disco atemporal”.

Com “The Other Side”, Seu Jorge não apenas apresenta um novo capítulo de sua carreira, mas também amplia o alcance da música brasileira no cenário global. “Talvez esse seja o disco que melhor explique o que é o Seu Jorge”, reflete o artista. “Em termos de música, de cuidado, de tempo dedicado… eu tenho certeza de que é o melhor trabalho que já fiz.”

Lançado pela Amor in Sound, Black Service e Phonomotor Records, com distribuição global pela The Orchard, o álbum chega como uma obra de maturidade artística, construída com rigor, sensibilidade e visão.

TRACKLIST DE “THE OTHER SIDE”:

1. Crença (Milton Nascimento/Marcio Borges)
2. Vento de Maio feat. Maria Rita (Marcio Borges/Telo Borges)
3. Girl You Move Me (Frenchie Thompson)
4. Luz na Escuridão (Cezar Mendes/Capinan)
5. Caboclo (Arthur Verocai/Vitor Martins)
6. Folia de Amor (Mariana Bergel/William Pinto Magalhães)
7. Quando Chego feat. Marisa Monte (Marisa Monte/Arnaldo Antunes/Seu Jorge)
8. Flor de Laranjeira (Cezar Mendes/Capinan)
9. River Man feat. Beck (Nick Drake)
10. Far From The Sea feat. Zap Mama (Robertinho Brant/Emerson Penha)
11. Beleza Bárbara (Leo Tomasini/Joey Altruda)

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Sobre Seu Jorge:

Do Gogó da Ema aos holofotes internacionais, Seu Jorge consolidou-se como um dos artistas mais influentes da cultura brasileira. Cantor, compositor, ator e multi-instrumentista, ele navega entre os universos do samba, MPB, R&B, Bossa Nova e funk, conectando gerações e fronteiras através da música e do cinema. Com uma trajetória pautada na pluralidade artística, Seu Jorge se tornou uma voz potente tanto no entretenimento nacional quanto internacional.

Nascido Jorge Mário da Silva em Belford Roxo, no estado do Rio de Janeiro, seu primeiro contato com a arte aconteceu no teatro. No início dos anos 1990, integrou a Companhia de Teatro da Universidade do Estado do Rio de Janeiro (TUERJ), onde participou de mais de 20 peças, incluindo “A Saga da Farinha”. Paralelamente, sua vivência na boemia carioca o levou a frequentar rodas de samba, bailes de funk e charme, criando a base para sua identidade musical.

Seu Jorge despontou para o grande público em 1997, ao fundar a banda Farofa Carioca,  com Gabriel Moura e o flautista francês Bertrand Doussain, um grupo que mesclava rap, samba, MPB, soul e reggae. O álbum de estreia, “Moro no Brasil”, continha o icônico single “A Carne”, uma crítica social que se tornou um hino antirracista na voz de Elza Soares. Pouco depois, iniciou sua carreira solo e, em 2001, lançou “Samba Esporte Fino”, também conhecido internacionalmente como “Carolina”, produzido por Mário Caldato e Daniel Ganjaman. O disco firmou seu nome na música brasileira, com hits como “Carolina” e “Chega no Swing”.

Paralelamente à música, Seu Jorge encontrou no cinema uma plataforma para expandir sua arte. Sua primeira grande atuação foi como Mané Galinha em “Cidade de Deus” (2002), de Fernando Meirelles. O filme alcançou sucesso internacional, abrindo portas para sua participação em “A Vida Marinha com Steve Zissou” (2004), de Wes Anderson. No longa, Seu Jorge reinterpretou clássicos de David Bowie em português, conquistando a admiração do próprio artista britânico, que declarou: “Se Seu Jorge não tivesse gravado minhas músicas em português, eu nunca teria ouvido esse novo nível de beleza que ele as imbuiu”.

Nos anos seguintes, sua discografia cresceu, consolidando-o como um dos maiores nomes da música brasileira. “Cru” (2004) trouxe interpretações autênticas e faixas como “Tive Razão” e “Eu Sou Favela”. Seu Jorge também brilhou com “Ana & Jorge” (2005), uma parceria com Ana Carolina que imortalizou “É Isso Aí”, versão de “The Blower’s Daughter”, de Damien Rice.

No cenário internacional, conquistou a crítica com o projeto Seu Jorge & Almaz, ao lado de Lúcio Maia e Pupillo, da Nação Zumbi, e do compositor Antonio Pinto. O álbum recebeu aval de publicações como Washington Post e The New York Times. Seu álbum “América Brasil” (2008) revelou sucessos como “Burguesinha” e “Mina do Condomínio” e foi o grande vencedor do Latin Grammy de Best MPB Álbum e os álbuns “Músicas Para Churrasco Vol 1” (2012) e “Músicas Para Churrasco Vol 1 (Ao Vivo)” (2013) também venceram o Grammy Latino, na categoria Best Brazilian Contemporary Album.

O cinema continuou sendo um espaço frutífero em sua trajetória. Atuou em “Casa de Areia” (2005), ao lado de Fernanda Montenegro e Fernanda Torres, “Tropa de Elite 2” (2010) e “Abe” (2019), onde interpretou um chef brasileiro. Em “Marighella” (2021), dirigido por Wagner Moura, viveu o líder revolucionário Carlos Marighella, papel que lhe rendeu prêmios internacionais como Melhor Ator no Festival Internacional de Filmes da Índia e no Bari International Film Festival. Em 2025, Seu Jorge integra o elenco de “Corrida dos Bichos” (Amazon Studios), dirigido pelo premiado cineasta Fernando Meirelles e Ernesto Solis, “A Melhor Mãe do Mundo”, de Anna Muylaert, que teve sua estreia mundial no Festival Internacional de Cinema de Berlim, em fevereiro do mesmo ano, e “Geni e o Zepelim”, também dirigido por Anna Muylart.

Seu Jorge também marcou presença no streaming, estrelando séries como “Irmandade” (Netflix), “Mandrake” (HBO) e “Manhãs de Setembro” (Amazon Prime). Para ele, o crescimento das plataformas digitais possibilitou a criação de personagens mais complexos e afastados de estereótipos raciais recorrentes na TV tradicional.

Em 2023, Seu Jorge celebrou 30 anos de carreira, reafirmando sua posição como um artista sem fronteiras. Além de projetos musicais e cinematográficos, ele também é CEO da Black Service, um espaço de produção cultural voltado à valorização de artistas pretos e à inovação no mercado cultural.

No início de 2025, lançou o álbum “Baile à la Baiana”, seu primeiro de faixas inéditas em dez anos. Com 11 canções que combinam elementos da música carioca e baiana, o trabalho celebra a riqueza cultural do Brasil e marca mais um momento decisivo na trajetória do artista. Ao longo do ano, Seu Jorge também dirigiu a curadoria do Festival Nova Brasil, reunindo 24 artistas em mais de seis horas de música ao vivo, e realizou três turnês internacionais, levando o repertório do novo álbum a países como França, Dinamarca, Portugal e Holanda, com passagens por alguns dos maiores festivais do verão europeu. No Brasil, a agenda incluiu palcos de destaque como Turá, João Rock e C6 Music Fest. Em novembro, foi um dos destaques da programação do Prêmio Earthshot, no Rio de Janeiro, onde recepcionou o Príncipe William no Museu do Amanhã e se apresentou na cerimônia, interpretando “Heroes”, de David Bowie, em um momento que reforçou sua projeção internacional. Em um dos momentos mais simbólicos de 2025, Seu Jorge apresentou-se no Global Citizen Festival: Amazônia, em Belém, onde recebeu no palco Chris Martin, vocalista da banda Coldplay, como convidado especial para uma participação. O ano se encerrou com um show no Réveillon de Fortaleza, apresentação que reuniu mais de um milhão de pessoas.

Sua influência atravessa continentes, indo do samba carioca aos palcos do Royal Albert Hall e do Madison Square Garden. Dono de um legado inestimável, Seu Jorge segue desafiando convenções e transformando a arte em uma ferramenta de diálogo e revolução.

Com informações: Assessoria de imprensa SEU JORGE – Lavi Comunicação & Mkt

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A cantora, autora, diretora e atriz natalense Juliana Linhares lança, seu segundo álbum, “Até Cansar o Cansaço”, que nasce como reação a um sentimento coletivo e atual de esgotamento. A obra musical, criada para transmutar cansaço em ações e movimentos oníricos, propõe a construção de futuros possíveis e ativa a força criativa como forma de reencantamento do mundo, em um sonho coletivo.

As onze faixas do novo álbum reúnem composições autorais inéditas e releituras de clássicos de Elino Julião, Belchior e Manduka, ressignificados a partir da estética única de Juliana. As participações, parcerias e encontros do disco ampliam o diálogo entre gerações e tradições em feats com Ney Matogrosso, Agnes Nunes e Anastácia. O trabalho conta com as já bem-sucedidas parcerias de Juliana Linhares com Elísio Freitas, na produção musical, e com Marcus Preto, na concepção artística do álbum, que tem a assinatura de Juliana no conceito artístico geral do projeto.

Inspirada por vivências com o neurocientista brasileiro Sidarta Ribeiro, durante uma residência artística na Cia Brasileira de Teatro, Juliana despertou para a necessidade de dormir e sonhar mais e coletivamente. A partir desta reflexão, o álbum “Até Cansar o Cansaço” surge como um portal de possibilidades para dar uma canseira no cansaço. Neste processo, assim como em toda obra de Juliana Linhares, o pensamento cênico está intrinsecamente em primeiro lugar, com a dança ocupando posição de destaque. Uma criação que coloca o corpo exausto em movimento, mantendo-o interessado e interessante, como uma das ações para cansar o cansaço.

O disco começa sua jornada com a faixa-título “Até Cansar o Cansaço”, que transforma o esgotamento em gesto de resistência, numa dança contra o peso do tempo presente, que encontra no corpo novas possibilidades de recomeço. Parceria com Jef Lyrio, grande amigo do teatro e confidente de Juliana, a faixa simboliza o espírito do álbum. “Jef me acolheu em diversos momentos de exaustão física e emocional e com ouvidos atentos apontou em mim a flecha certeira do que eu gostaria de falar neste disco. Criamos juntos esta canção que fala tanto de nós e de tantos de nós.”, conta Juliana.

E quando tudo parece difícil, “Depois do Breu” aponta para o instante em que o amor ou o sonho irrompem como luz após a escuridão. Uma das primeiras faixas a serem compostas e escolhidas para o álbum, é também o single que anunciou o trabalho, em abril. E o sol logo reaparece, sim, em “Tanto Buliço”, faixa na qual Juliana celebra o amor como caminho pro amanhã ao lado da voz luminosa da cantora paraibana Agnes Nunes. Um encontro de afeto e abrigo diante do ruído do mundo, imaginado em parceria com Khrystal, presença conterrânea que também assina com a artista o hit “Balanceiro”, que marcou o trabalho de estreia da cantora.

Entre fios, nós e perguntas, a vida surge em “Emaranhada” como um tecido de afetos e riscos, no qual amar é lançar-se, mesmo com todos seus perigos, ao desconhecido. “Vida Virada”, um manifesto de movimento, assinado em parceria com Josyara e Elísio Freitas; transforma o cansaço em impulso de liberdade. Ao lado de Anastácia, grande referência da música nordestina, Juliana evoca a estrada como destino e reinvenção de quem cansou de se cansar para conquistar o descanso.

O caminho segue um pouco mais cinza com “Tempos Temporais”, parceria com Juliano Holanda, que atravessa saudade, cidade e desejo em meio à tempestade, para lembrar que os temporais carregam ventos capazes de abrir novos caminhos. Em seguida, “Mistério do Óbvio”, que ganha participação de Ney Matogrosso, propõe um novo mundo possível em meio ao caos. Uma metalinguagem na qual a parceria musical é tão onírica quanto o significado da própria faixa. “Ney pra mim é o que quero ser no futuro, ele me ensina a sonhar.”, celebra Juliana.

A tradição nordestina brilha em “O Rabo do Jumento”, clássico de Elino Julião e do estado do Rio Grande do Norte que une humor popular e crítica social. A música que marcou a memória afetiva de Juliana desde a infância, cantada por seu pai, atualiza-se aqui como representação da força da voz coletiva e da tradição oral.

Mais à frente, já na reta final do álbum, seguimos os passos de quem veio antes nesta jornada de sonhos, numa sequência de criações de Manduka e Belchior atualizadas por Juliana. Enquanto “Conseguiram, Parabéns”, do compositor e artista plástico – e filho do célebre poeta amazonense Thiago de Mello-, oferece um olhar irônico e contundente sobre as estruturas de poder e a naturalização da violência; “A Palo Seco”, do compositor cearense, encerra o disco reafirmando a urgência da palavra e da voz como instrumentos de transformação, “crua e direta, como palavra dita sem ornamento.”, crava Juliana.

Sem profecias ou respostas prontas, ao fim, o disco aponta para o coletivo e o espiritual em “Futuro (Novos Erros)”, uma espécie de oração contemporânea que aposta na tentativa e no erro como caminho para acertar. A faixa recebe as participações ancestrais e delicadas da avó, da madrinha e da mãe de Juliana, numa oração escrita pela cantora. Uma canção que traduz muitos dos desejos de conversar com as pessoas emanados pelo novo álbum.

Entre o manifesto e a delicadeza, o novo trabalho de Juliana Linhares consolida uma artista que chega a este momento com o corpo e a escuta mais maduros, consciente do lugar que ocupa como mulher artista nordestina. Uma força cênica que faz da canção um espaço de pensamento, invenção e presença em mundo exausto, mas ainda disposto a dançar enquanto vislumbra o inimaginável que pressupõe a esperança.

FAIXAS:

1. Até Cansar o Cansaço
2. Depois do Breu
3. Tanto Buliço
4. Emaranhada
5. Vira Virada
6. Tempos Temporais
7. Mistério do Óbvio
8. O Rabo do Jumento
9. Conseguiram Parabéns
10. A Palo Seco
11. Futuro (Novos Erros) + Oração pro Sonho

Fotos: Elisa Mendes @e.l.i.s.a.m.e.n.d.e.s

Sobre Juliana Linhares

Cantora, compositora, diretora e atriz potiguar, Juliana Linhares é uma das vozes mais expressivas da música brasileira contemporânea. Com uma trajetória marcada pela força cênica e por uma identidade artística profundamente conectada ao Nordeste, a artista se reafirma como um dos principais nomes da linhagem de invenção da música popular nordestina, articulando tradição e contemporaneidade com olhar crítico e sensível.

Após o impacto de seu álbum de estreia, “Nordeste Ficção” (2021), trabalho que tensiona estereótipos históricos e propõe novas narrativas sobre o ser nordestino, Juliana avança em sua pesquisa artística com o lançamento de seu segundo álbum solo, “Até Cansar o Cansaço” (2026). No novo trabalho, o sonho e o esgotamento do tempo presente permeiam as canções, aprofundando e revolucionando suas reflexões sobre identidade, território e reinvenção.

Além de sua festejada carreira solo, Juliana integra a banda Pietá e o projeto Iara Ira, com os quais lançou três álbuns. Sua trajetória inclui colaborações com artistas como Ney Matogrosso, Anastácia, Chico César, Larissa Luz, Khrystal, Letrux,Tom Zé, Zeca Baleiro e Agnes Nunes e apresentações em importantes palcos em todo o Brasil. Sua discografia inclui ainda o EP Perdendo o Juízo (2020), com produção musical de Josyara.

Com informações: Fernanda Couto Assessoria de Comunicação

Ouça o novo single “In The Stars” agora

The Rolling Stones anunciam hoje o lançamento de seu aguardadíssimo novo álbum de estúdio “Foreign Tongues”, que sai em 10 de julho via Polydor/Universal Music. A coleção incrivelmente vibrante de 14 faixas chega três anos depois do universalmente aclamado e ganhador do GRAMMY® “Hackney Diamonds”, que liderou paradas no mundo todo e alcançou sucesso multiplatinado. O novo álbum começa a ser apresentado pelo animado e contagiante single principal “In the Stars”, lançado digitalmente hoje, 5 de maio, junto com a faixa de abertura “Rough and Twisted”.  “In The Stars” chega em formato físico em 15 de maio.

Hoje, Mick Jagger, Keith Richards e Ronnie Wood participam de um evento de lançamento de “Foreign Tongues” no Brooklyn, em Nova Iorque.

A banda vem sutilmente gerando expectativa para este anúncio, a partir do lançamento exclusivo em vinil de uma edição limitada white label (com o rótulo em branco) da faixa “Rough and Twisted”, sob o nome The Cockroaches. Circulando entre fãs e colecionadores, o lançamento já despertou entusiasmo e especulações sobre o som e a direção de “Foreign Tongues”, oferecendo um vislumbre antecipado da energia crua e exploratória do álbum.

Gravado durante um período excepcionalmente criativo da banda, “Foreign Tongues” ganhou vida em menos de um mês no Metropolis Studios, no oeste de Londres, período em que Mick Jagger, Keith Richards e Ronnie Wood se juntaram novamente ao produtor vencedor do GRAMMY® Andrew Watt, que também comandou “Hackney Diamonds”. O resultado é um álbum dinâmico e voltado para o futuro que capta o som inconfundível da banda, ao mesmo tempo em que avança por novos territórios sonoros e líricos, consolidando ainda mais seu legado incomparável.

O álbum apresenta performances de destaque de Jagger, Richards e Wood, ao lado de seus principais colaboradores, incluindo Darryl Jones, Matt Clifford e Steve Jordan. Também conta com uma participação especial de Charlie Watts, gravada em uma de suas últimas sessões de gravação, antes de seu falecimento, em 2021. Contribuições adicionais vêm de um impressionante elenco de artistas convidados, incluindo Steve Winwood, Paul McCartney, Robert Smith, do The Cure, e Chad Smith, do Red Hot Chili Peppers.

Refletindo sobre o processo de gravação, Mick Jagger disse: “Adoro fazer essas sessões de gravação em Londres, no Metropolis. Foram algumas semanas muito intensas gravando ‘Foreign Tongues’. Tínhamos 14 faixas excelentes e fomos o mais rápido que pudemos. Gosto da sala lá, pois não é muito grande, então dá para sentir a paixão de todos no ambiente”.

Keith Richards acrescentou: “O álbum ‘Foreign Tongues’ tem uma continuidade com ‘Hackney Diamonds’. Foi ótimo trabalhar em Londres de novo, ter aquela vibe de Londres à nossa volta. Foi um mês de punch concentrado. Pra mim, o que importa é a alegria proporcionada. Sou abençoado por conseguir fazer isso, espero que por muito tempo”.

Ronnie Wood comentou: “O clima no estúdio era muito criativo, e a banda inteira esteve no seu melhor durante todo o processo. Muitas vezes, acertamos no take um. Espero que todos gostem.”

A impressionante arte da capa do álbum é uma pintura criada pelo aclamado artista americano Nathaniel Mary Quinn, que comentou: “Criar a capa do álbum para os Rolling Stones é uma honra artística, um diálogo com uma das forças mais duradouras da história cultural”.

Confira os formatos físicos de “Foreign Tongues”, do The Rolling Stones, já disponíveis em pré-venda na UMusic Store. Saiba mais: https://www.umusicstore.com/the-rolling-stones .

OUÇA “IN THE STARS” AQUI

Com informações: www.universalmusic.com.br

 Universal Music Brasil – Distribuição de Conteúdo

Ouça aqui

Lyric Video

A cantora, compositora e produtora Laura Finocchiaro lança o single inédito “Notas Solares”, uma obra que nasce a partir de um encontro inesperado num show. Ela foi assistir à uma apresentação da Vânia Bastos e, quando estava no camarim, conheceu Dona Olga, uma senhora de 90 anos cuja sensibilidade e entusiasmo tocaram profundamente seu coração.

Depois da conversa Laura chegou em seu home estúdio e compôs “Notas Solares”, transformando emoção em música. Teve a ideia de convidar Vânia Bastos para cantar com ela, que aceitou na hora.

Para enriquecer ainda mais a obra, o músico e arranjador Ronaldo Rayol gravou as cordas, conferindo densidade e sofisticação à composição. A produção musical ficou a cargo da própria Laura Finocchiaro, que programou a base eletrônica, gravou os sintetizadores, voz, violões e sintetizadores. O single ainda conta com a participação especial do histórico percussionista João Parahyba e do talentoso flautista Artur Rodrigues, que imprimem identidade e personalidade à gravação.

A mixagem e a masterização foram realizadas pelo técnico Alex Angeloni, resultando em uma sonoridade fina, clara e poderosa.

A capa foi criada pelo design gráfico e fotógrafo Thiago dos Reis, que construiu uma atmosfera solar e minimalista na comunicação visual.

O single também ganha um videoclipe animado, criado e editado pelo videomaker Alessandro Santos.

“Notas Solares” é lançada pelo selo da própria artista, Sorte Produções, com distribuição da Tratore, chegando a todas as plataformas digitais no mês das mães, no dia do trabalho, dia primeiro de maio de 2026, celebrando os 44 anos de carreira musical de Laura Finocchiaro.

Mais do que um single, a música é um gesto de celebração à vida, da memória e da arte como resistência. Em tempos de tensões globais e incertezas no mundo, “Notas Solares” reafirma a potência do afeto, da escuta e da criação artística, contribuindo para a riqueza do cancioneiro brasileiro produzido no século XXI.

Ficha Técnica: 

Laura Finocchiaro: Composição, Arranjo, Produção Musical, Programações, Violão e voz

Vânia Bastos: Voz

Ronaldo Rayol: Cordas

João Parahyba: Percussão

Artur Rodrigues: Flauta

Edição Vocal: Enrico Romano

Mixagem e Masterização: Alex Angeloni

Capa: Thiago dos Reis

Videoclipe (animação): Alessandro Santos

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Lançamento: Sorte Produções

Distribuição: Tratore

Mini Bio

Laura Finocchiaro é uma artista independente com 44 anos de carreira e 21 álbuns lançados. É parceira de poetas e escritores como Cazuza, Caio Fernando Abreu, Jorge Salomão, Cassandra Rios e Leca Machado, tem faixas autorais interpretadas por artistas como Ney Matogrosso, Edson Cordeiro, Chico Chico, Vange Leonel e Vânia Bastos, entre outros.

Cantora, compositora, guitarrista, produtora musical e arte-educadora, sua carreira teve início em Porto Alegre nos anos 1980 e continuou em São Paulo, onde foi morar, contribuindo significativamente para a cena musical independente brasileira da época. Ganhou destaque nacional ao participar da segunda edição do Rock in Rio, brilhando ao abrir os shows de ícones como Prince e Santana, em janeiro de 1991.

Continuou lançando discos de forma independente pelo seu selo Sorte Produções enquanto também chegava à TV, colaborando na parte musical de vários programas, incluindo a “Casa dos Artistas”, onde implementou o conceito de trilha sonora na produção do primeiro “Reality Show” no Brasil, que é seguido até hoje.

Redes Oficiais: www.laurafinocchiaro.com,br

Com informações: Piky – Mariana Candeias 

O Capital Inicial está rodando o país com a nova turnê “Música Urbana”, marcando o retorno oficial da banda ao formato 100% elétrico. O espetáculo, derivado do festival proprietário do grupo realizado no Distrito Federal, tem mais de 30 apresentações pelo país e agora anuncia quatro novas cidades nos Estados Unidos: Boston, Nova York, Miami e Orlando.

Após o último show em solo americano, em 2021, a banda volta em junho levando os maiores sucessos para os fãs que moram fora do país. A primeira parada será no dia 24 de junho, em Citizens House of Blues Boston, em Boston, seguindo para HK Hall, em Nova York no dia 25, depois Miami, no dia 27 e finalizando no dia 28 em Orlando.

O título da turnê resgata um marco histórico da cena nacional. Em 1984, o “Música Urbana” foi o evento que reuniu Capital Inicial, Legião Urbana e Plebe Rude no Colégio Alvorada, em Brasília. O impacto daquele encontro batizou o primeiro single do Capital Inicial. Em 2024 e 2025, a banda retomou a marca em formato de festival na capital federal, reunindo um total de 20 mil pessoas com ingressos esgotados e agora roda o Brasil e o mundo com o espetáculo.

AGENDA DE SHOWS NOS EUA:

Junho:

24 – Citizens House of Blues Boston – Boston, MA [ingressos aqui]

25 – HK Hall – Nova York, NY [ingressos aqui]

27 – MIAMI, FL [vendas em breve]

28 – ORLANDO, FL [vendas em breve]
Informações e ingressos aqui!
Mais sobre Capital Inicial: Link 

Com informações: IPÊ AMARELO